Quietud

 

Hay películas que tienen alma, y esa alma desnuda se hace sentir. Y a partir de ese toque, uno puede conectar con culturas lejanas y diferenciadas como son la japonesa. Una pastelería en tokyo (An) teje un puente que conecta con el ser humano en su fragilidad.

Naomi Kawase (la directora del film) ha sabido comprender y transmitir el poder de lo simbólico, lo poético  y la marginación social de una manera muy respetuosa y sosegada.

No quiero desvelar demasiado de la película, pero si decir que me ha rozado el alma y ese roce me recuerda la importancia del acompañamiento, la gran inmensa soledad que sentimos las personas en determinados momentos de nuestras vidas y la necesidad de ilusionarnos con proyectos, que a ojos de los demás puedan ser pequeños. 

¿Que me gustaría rescatar de esta película? 

La soledad, la búsqueda de la coherencia y la autenticidad, la asunción del riesgo, la salida de la zona de confort, la aceptación de la incomprensión social como motor de individuación y la construcción de sentido a partir de relaciones sociales que no parecen destinadas a suceder.

¿Como relaciono esta película con las terapias creativas?

Muchas veces, en el camino de búsqueda de uno mismo, la perdida es lo único que se mantiene constante. La sensación de estar perdido en mitad de un mar de estímulos, de historias biográficas, de relaciones conflictivas… A partir de esa perdida se hace necesaria la construcción de hilos, puentes y proyectos artísticos, laborales o formativos que vayan a intentar tejer puentes que subsanen los vacíos o reparaciones más o menos acertadas para vivir(sobrevivir) mejor y con mayor calidad de vida.

¿De que manera se teje en Arteterapia?

A partir de propuestas artísticas, como Tokue (una de las protagonistas de la película), que vela por conseguir una ilusión, trabajar en una pastelería con 73 años, cuestión que no solo la dignifica si no que también la hace sentir viva y útil.

Desde la arteterapia se apela al paciente para que pueda conectar con lo que anhela y transformarlo en un objeto, un relato, una historia, una danza, una música… (en la película el objeto sería la poética de la creación del dorayaki , un típico postre japonés, mimando la creación de su crema interior, el anko). A partir del objeto y de la relación y cocreación con el arteterapeuta se  gana consciencia,  presencia, autenticidad, honestidad con quién se es, ya sea lo bueno,  lo malo, lo regular, la sombra y lo luminoso de cada uno. Integrando lo desintegrado. En el film el proceso de cocreación y de trasvase de saberes se realiza entre Tokue y su jefe, uno especializado en hacer dorayakis y la otra en la crema de su relleno anko.

En la película se señala la importancia del paso del tiempo,  con ese compromiso adquirido por el paciente y el arteterapeuta en la asistencia continuada a las sesiones se señala la importancia del proceso, al fin y al cabo la importancia de su momento vital y reconocimiento de ese momento único que decide para si mismo la persona.

También se resalta, la quietud, como elemento primordial de la vida, el espacio de observación de lo cotidiano como extraordinario.

El espacio arteterapéutico pretende suspender la realidad externa, en ese momento el paciente esta para si mismo, evitando interrupciones externas para que pueda mostrar lo mas genuino de si, sorprenderse y encontrar nuevas maneras de relacionarse consigo mismo y por ende con los demás.

Como en la vida, el destino de los personajes es complejo, pero si hay algo interesante es que existe la huella que se dejan unos a otros, esa huella que va más allá del tiempo. Esa huella de la memoria de haber coincidido con alguien y haberse dejado tocar, aún sin haber querido por su persona. Haber sido cambiado por ese toque. 

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Escrituroterapia y arteterapia

No hay invención u originalidad en estos pequeños artículos que realizo. Lo que expreso, ya lo han dicho muchas otras personas antes. Solo intento hacerlo lo mas accesible posible. Esto en si es un artificio puesto que no es sencilla la arteterapia ni tampoco el campo psicoterapéutico.

Dicho esto me planteé este artículo lleno de referentes. Y así tiene que ser cuando el artículo se publica en una revista científica o específica como Papeles de arteterapia. Pero mi interés es otro, menos ambicioso y más modesto. Generar debate, conversacion y a veces divergencias y exponer mi punto de vista, que no es único,  inamovible o perfecto.

Dicha esta justificación hace tiempo que quería hablar de escritura. Como en todo relato y gracias al tránsito por la formación de artes visuales y educación, me di cuenta de la importancia de situar el contexto. Mientras en algunos profesionales se borra la identidad del arteterapeuta, yo quiero reivindicar mi propia biografía laboral/personal/profesional como motor de mi manera de acompañar. Porque el contexto habla de mi y de mi biografía y mi contexto no solo tiene relación con mi identidad individual sino también con mi identidad grupal y laboral en el aparecen todas las personas que me han/nos hemos tocado y nos hemos resignificado, queriendo o sin querer.

Conocí con veinte años a Mónica Cano en el centro Fem Cultura. Ella en aquella epoca era especialista en escriuta creativa (años más tarde por casualidad descubrí que también era arteterapeuta de mi misma linea; jean-pierre klein). Durante cuatro años pude participar en procesos de escritura creativa que me abrieron un mundo nuevo. Recuerdo con mucho cariño lo maravilloso que era conocer a mis compañeros a través de su estilo literario, del juego de sus palabras, de sus personajes, sus repeticiones, sus tramas… En Mónica Cano encontraba pasión, alegría, misterio, expectativas, encontraba un movimiento telúrico que contagiada a los que allí estábamos por un deseo de mostrar y compartir lo más íntimo sin desvelar nada de lo propio. Todo era un recorrido a través de nuestra fantasía, esa fantasía que habla sin desnudar a la vez que desnuda sin hablar.

De entonces han pasado más de diez años y me encuentro acompañando una persona maravillosa que me ha vuelto a conectar con la pasión por escritura. En el acompañamiento a través de escrituroterapia, he descubierto como el trabajo a dos enriquece el proceso y cómo el relato es fundamental para dar sentido a la propia vida. Pasar de un estado apático a un estado activo, donde la ficción es el verdadero motor de vida.

Esto me hace pensar en la de relatos que se pierden por el camino por miedo al fracaso:

Yo no sé escribir

Yo no valgo la pena

No tengo nada que decir

Escribo mal

No puedo hacerlo

Quiero ser como tal o cuál autor

Pero cuando se acompaña el relato desde una posición de arteterapeuta, esas resistencias, que son sanas, lógicas y neuróticas, y en las cuáles me incluyo, pasan a un segundo plano. Porque el interés se desplaza de ese “yo no sé escribir” al “¿Y qué más le sucede a ese personaje?” Porque en el deseo sincero del arteterapeuta por saber ese “qué más sucede” nace un motor para la persona que se coloca en el rol de paciente. No es un simulacro, al igual que disfruto leyendo una novela, viendo una serie de televisión, porque quiero saber cómo continua, cuando una persona escribe, tiene una producción teñida de sorpresa. Giros en las frases, en la trama que te hacen sorprenderte y lo más importante, dan cuenta de una parte de la persona que no se desvelaría si no fuera a través de la escritura.

Esa sorpresa aumenta cuando se deja reposar el relato de una sesión a otra, se retoma, y se lee en voz alta, por parte de la voz ajena del arteterapeuta y entonces se encuentra el extrañamiento:

¿Eso lo he escrito yo? ¿Seguro?

Esa enajenación transitoria que también sucede con las producciones plásticas que se dejan reposar y se observan con el tiempo, permite que se instalen nuevas miradas dentro de uno mismo.

Si soy capaz de extrañarme de mi mismo y ser un extranjero de mi propio ser, también soy capaz de ampliar los límites de quién creo ser y puedo inventarme nuevos territorios donde vivir.

Por eso abogo por un acompañamiento de la escritura, porque además, existe la opción de narrar, relatar y dar voz a las palabras, tanto por parte del paciente como por parte del arteterapeuta y en esa entonación de la narración oral, en ese dar cuerpo a la narración, vuelve a resignificarse una espiral sonora casi infinita que va construyendo un cosmos único e irrepetible.

Hay por lo tanto  un testimonio del relato que no juzga, que da apoyo (el arteterapeuta)  para que la persona produzca escritura, se explaye y se sumerja allí y pueda suspender su “yo neurótico” por ese “yo ficcional y creador” y quizá, con un poco de suerte, más direccionado hacia la vida.

Además la persona, si logra dejar a un lado su represión o por lo menos suspenderla ni que sea intermitentemente puede presentar relatos donde todo tiene cabida:

Fantasía, terror, veneno, violencia, aburrimiento, dolor, alegría, superación, duelo, malestar.

Ni que decir que la pasión no la descubre el arteterapeuta en el paciente, el arteterapeuta sabe de la pasión del paciente, porque sabe que el paciente tiene en si mismo las herramientas necesarias para construir un mundo literario. Esa certidumbre absoluta también permite que el paciente vuelva a recordar que alguna vez el cuento se convirtió en algo placentero, en una manera de construir y entender el mundo y de compartir un espacio -nunca separado del todo, pero no tan junto como para ensamblarse- entre la llamada ficción y la llamada realidad.

Como diría Christopher de Vareilles

¿Cuando fue la última vez que sentiste placer dibujando (escribiendo)?

 

 

 

 

 

Iniciando un nuevo camino. Primera sesión de introducción de Arteterapia Marabal

Este sábado 15 de noviembre hicimos el primer día de la formación de arteterapia.
Pude observar un grupo parece muy diverso, muy profesional y muy interesante. En cuanto a la formación o profesión de base hubo de todo: personas que estudian medicina, cuatro educadores sociales -lo cuál me hace feliz porque es mi profesión de base-, una persona especializada en bellas artes, una profesora de danza, otra persona especializada en artes plásticas, una profesora de educación infantil… (¡espero no olvidarme de nadie!).
El reto cada año es muy elevando. Nuevas personas que SIEMPRE nos hacen replantear nuestra modalidad de acompañamiento y nos cuestionan como profesores. No es posible quedarse al margen de esa interacción, el aprendizaje y los retos están asegurados y a veces, claro que si, tenemos dudas.
El viaje, como bien dijo Oscar Galindo es compartido. No por querer ser profesores de “buen rollo” si no porque nos encontraremos con lo incierto tanto los alumnos como los profesores y deberemos resolverlo entre todos. Cada uno, por supuesto desde su rol y su papel, pero se trata de estar presente cuando algún alumno pueda tener dificultades, y también, como no, cuando algún profesor pueda tenerlas.
Queremos ser lo más honestos posibles, y no quedarnos anclados en una formación que no se cuestiona. Nuestra formación está viva y así debe ser. Aunque sea una formación modesta en cuanto a su presupuesto y la cantidad de horas ofrecidas, creemos que tiene la suficiencia como para que puedan adquirir conocimientos reales, tanto experienciales como teóricos entorno al acompañamiento (no terapéutico) artístico/creativo de distintos grupos.
Así que desde aquí quisiera agradecer a cada alumno y alumna que haya apostado por esta formación y también deseo que haya valido la pena la apuesta, que se produzca aprendizaje y que se de un cambio que deje algún tipo de poso en la persona. Para poderse preguntar:
¿Qué me trajo a este lugar y qué me llevaré cuando finalice este proceso?  

Bodies, la nueva momificación

pulmones

La primera vez que vi la exposición #TheBodies quedé en shock. Esta segunda vez se repitió el shock. En ambos casos el origen es el mismo; parece una carnicería, por el tratamiento que se da al cuerpo el que directamente aparece fragmentado, numerado y con una guía sonora asociada a cada número y por ende a cada pedazo.

La primera vez no hice caso a la guía, bastante estímulo tenía ya como para taponar también mis oídos. Esta segunda vez si, porque toda la intranquilidad que me producía la carne, me la contrarrestaba la voz del narrador, sereno y didáctico.

Los elementos de malestar se producían ante las equivalencias. Esa mano, puede ser mi mano, ¿Hay algo en esa mano que forma parte de mi? y a la vez está tan alejada. ¿Serán así mis huesos? ¿Es la pierna de ese señor que camina alegremente por la exposición proclive a ser mostrada en una urna de cristal y etiquetada?

Las preguntas dieron paso a

LA PREGUNTA

¿De quiénes son esos cuerpos?

Esos cuerpos pertenecen a alguien. Esos cuerpos están muertos, esos cuerpos no están enterrados o incinerados, ¿Donde van a rezar los familiares de esos cuerpos?. No en vano se llama Bodies, Cuerpos, y no Personas o Trozos.

corazón

En ese intento por ubicarme, vivía con repugnancia y curiosidad cada uno de los seres ¿Personas? ¿Expersonas?. Fascinado por la complejidad, y el tamaño de los órganos. Ese tamaño que hasta entonces era metafórico, en la exposición tenia un caracter material, mensurable y concreto. Esa parte es importante, porque mi esquema corporal viene determinado por las ideas y experiencias que deposito sobre mi cuerpo se puede decir que mi cuerpo es una construcción imaginaria y que el soporte físico de mi cuerpo es una extensión imaginaria de historias y biografía narradas por mí.

La primera sección mostraba fetos de distinta edad. Seres que en algún momento de la vida murieron. Era siniestro y maravilloso poder ver algo a los que solo unos pocos tienen acceso; médicos, enfermeros…

Cerebro

Y hay algo importante en la construcción de la exposición. La ausencia de movimiento, que muestra la congelación de las expresiones y que desnaturaliza los cuerpos. La vida se resume por el movimiento. Un corazón que late, pulmones que se contraen y expanden. ¿Es posible mostrar la vida sin la esencia de la vida misma?

Por eso cuando se ve a un difunto no se le reconoce, porque aunque fuera mayor, estuviera arrugado o enfermo mientras vivía y padecía tenía movimiento.

Dejando de lado mi experiencia, la riqueza plástica y casi sonora del cuerpo humano es fascinante. Pararse a observar los pliegues, la construcción de un cuerpo que almacena sobre si letras y poesía. La exposición de alguna manera habla de lo invencible, lo eterno y lo perecedero.

Se muestran cuerpos eternizados –podría decirse como las momias a las cuáles estamos más acostumbrados-. Y logra algo  curioso, que la muerte no se nombre en todo el proceso. No hay muerte ni al inicio ni al final de la exposición.

De igual manera, aunque yo no pueda concluir el artículo he querido plasmar mi opinión. A partir de aquí, que cada cuál concluya o reflexione sobre impacto subjetivo que le provoque.

Página web  exposición The Bodies.

¿”Todo” es arteterapia?

Rizoma dels rumors CC Sarrià
Rizoma dels rumors CC Sarrià

No siempre es posible hacer un taller de arteterapia. A veces lo que se hace, bajo el nombre de arteterapia, es un taller de expresión o creación, a lo sumo un laboratorio o como aborda María Navarro (arteterapeuta) en su investigación; un boceto.

Este es el caso de una de las sesiones del Rizoma de los rumores. Acudí con Nuria Banal (arteterapeuta)  al Centro Cívico de Sarriá para realizar el taller del Rizoma de los rumores . En este caso se realizó un taller de creación/expresión. ¿Por qué? Por dos elementos: Se requería de una sesión de dos horas (el límite del tiempo es importante, no hay transformación sin tiempo) y por tamaño del grupo, 22 niños de entre 8 y 11 años.

rizoma dels rumors 3

Es un reto adaptar un taller que está pensado para hacerse en varias sesiones. Si bien es cierto que el afán del arteterapia no es hacer un taller tipo, si no escuchar al grupo, escuchar a cada persona del grupo, adaptar el recorrido simbólico y la secuencia a las necesidades que se planteen.

Haría mal en decir que se puede hacer siempre arteterapia. Haría mal porque faltaría a la verdad. Me encuentro con que la mayoría de talleres de arteterapia son talleres de expresión, creación o laboratorios artísticos. Eso no es menospreciar ni a la arteterapia como propuesta terapéutica, ni a los talleres de expresión, creación o laboratorios artísticos. Esto es hablar sobre una realidad; la arteterapia cuenta con distintas epistemologías, metodologías y marcos teóricos que hacen que lo que para unas personas sea arteterapia, para otros no lo sea.

rizoma dels rumors 2

¿Qué elementos aparecen en un taller de arteterapia para que pueda ser denominado así?

  • Un/a arteterapeuta
  • Un grupo, personas o institución que demanda un proceso arteterapéutico
  • Un objeto de producción (ya sea mediante la danza, la escritura, la voz, la plástica…)
  • Un tiempo y espacio reservado y confidencial
  • Una historia clínica con respecto a la producción de cada persona participante
  • Un espacio dónde preservar y guardar de la mirada externa las producciones
  • El/la arteterapeuta debe hacer supervisión de su trabajo y análisis del proceso

A partir de aquí, cada arteterapeuta recurre a unos métodos u otros, según su manera de ser, carácter, etc. Donde unos programan una serie de actividades fijas que aplican de manera estándar a todo tipo de personas; otros -es mi caso- trabajamos con lo que surge producto del enigma -como en muchas ocasiones dice Nuria Banal- .

Un arteterapeuta, no es un animador social, no es una persona que viene a levantar el ánimo o a hacer una pantomima. Es una persona que escucha, que atiende y que cree en la realidad de su trabajo, sin saber de recetar y con capacidad para sostener aquello que forma parte de la incertidumbre.

Un arteterapeuta no es un traductor de obras, yo no tengo una varita, ni quiero tenerla, para traducir aquello que aparece en un dibujo. Puedo plantear -y de hecho planteo- hipótesis, sobre aquellas formas, colores, estilos que se repiten, pero no señalaré que un determinado elemento -un árbol por ejemplo- simboliza al padre, o que una roca  los elementos dificultosos de una persona. Cada persona utiliza sus propias, singulares y únicas metáforas para transitar por la vida, por lo tanto, cada persona dibuja, danza y vocifera con sus propias metáforas. Es trabajo del arteterapeuta, acompañar esas metáforas, en el trabajo de simbolización, para que la persona pueda seguir produciendo, hasta transformar la producción y a la vez tener un efecto sobre si de transformación, más allá del síntoma que le haya hecho venir a la consulta del/la arteterapeuta. 

Queda mucho camino por recorrer, y este es uno de los afanes del blog, expresar la necesidad de regular esta profesión y darle valor.  Somos los/las arteterapeutas, que podemos exigir un mínimo sin el cuál no se puede llamar arteterapia.  Me veo en la necesidad de comunicar, de la manera más pedagógica y clara posible, ante instituciones y personas que es arteterapia, para que no quede en lo social la idea del pinta y colorea mandalas y eso te sanará.

Lo que sana, si es que hay algo que sane, es que la persona pueda expresar, mediante sus propios símbolos, aquello que ha construido mediante síntomas. De igual manera que un síntoma es una construcción compleja difícilmente traducible, una metáfora no tiene por que ser traducida, tiene valor por si misma.

Basta de opiniones simplistas, que intentan generalizar al ser humano, denominarlo como si fuera una máquina y de discursos capitalistas que igualan lo diferente e universalizan los síntomas y las maneras de estar en el mundo. Quizá por eso la arteterapia puede decir: No necesito que hables sobre ti, si no que hables sobre la fantasía, sobre los personajes que estás inventando en la sesión, que te puedas sorprender al ver cómo un objeto que hiciste la semana pasada, esta semana lo ves diferente, de tu relación con los materiales, de cómo continuar esa obra que hiciste con barro, etc. Esos retos cotidianos, que parecen nimios, son un camino posible en el encuentro con los fantasmas y virtudes de uno mismo. Aquí tu eres el centro de la creación, y no el discurso de lo que debes ser según lo social, tus padres, los más media o quién fuera que te criara. 

Actualización: Quisiera agradecer a Isabel Soler (arteterapeuta y compañera) por enviarme un e-mail corrigiendo errores gramaticales del artículo. A veces no soy consciente de los errores gramaticales y sintácticos que hago en este y otros artículos. Así que si os chirría algún error no dudéis en escribirme. Gracias Isabel!!! Eres un sol!